Critique - Blue Jasmine : Papy Woody retrouve son cinéma

Si il y a bien un vieux bonhomme qui force toujours notre attention, c’est bien Papy Woody. L’explication au phénomène est on ne peut plus évidente pour tous ceux qui connaissent un tant soi peu le monsieur. Un film quasiment tous les ans, une légèreté et un humour qui lui sont propres, des oeuvres clairement axées sur le discours et une attention toute particulière à la gente féminine. Le problème auquel nous faisons face ces dernières années avec Papy Woody c’est qu’il fait preuve d’une irrégularité consternante avec l’âge. Vicky Christina Barcelona  ne m’a vraiment rien laissé de positif mise à part un Barcelone magnifié - qui n’est qu’un tiers du film comme le titre semble l’indiquer, et Minuit à Paris m’avait enjoué autant qu’agacé - sans même évoquer Marion Cotillard. Mais To Rome With Love sorti l’année dernière en est le meilleur exemple et probablement l’un de ses plus mauvais films. Ça sentait la redite, celle qui lasse et désespère. Je fus d’ailleurs soulagé de constater que j’étais loin d’être le seul à le trouver littéralement nul. Inquiet et soucieux à raisons, il est normal de se demander si Papy Woody aurait perdu la main après tout ce temps... Mais 2013 nous prouve que non. 

Cette année, Blue Jasmine sortait sur nos écrans avec une aura de soulagement. Sans être un chef d’oeuvre où une oeuvre originale, le film renoue avec ce que Woody Allen sait faire de mieux. Les thèmes sont là, la manière aussi. Le long fait preuve d’une grande cohérence dans l’ambiguité et la subtilité. A l’opposé de ce qu’il a fait ces derniers temps, Woody a réintégré dans son cinéma le paradoxe qui l’a toujours caractérisé. La légèreté de son cinéma contient de nouveau un malaise certain ainsi qu’un humour particulièrement grinçant et le film ne cherche pas à prendre un parti radical. D’une certaine manière, le réalisateur a pitié de tout le monde et de personne. Ses propositions cinématographiques contiennent une grande part de réponses à la normande. 

L'héroïne de Blue Jasmine est-elle vraiment une victime ? Tel personnage est-il un looser pathétique ? Est-ce de l’ordre d’une tragédie moderne ou d’une bonne farce ? Cela dépend. Tout dépend de tout, tout le temps. Mais Woody ne perd pas son temps à nous expliquer quoi que ce soit. Il nous dirait probablement avec un grand sourire qu’il s’en fout et que l’on devrait s’en foutre autant que lui. 

Par ailleurs peu d’entre nous - petits et grands cinéphiles - sont sans savoir que Woody Allen travaille et mise beaucoup sur ses acteurs. 

Jonhatan Rhys-Meyers dans Match Point, Diane Keaton dans Manhattan... Tant de grands rôles complexes incarnés avec talent depuis les débuts du réalisateur. La prestation de Cate Blanchett dans Blues Jasmine ne déroge pas à cette ligne de conduite et se révèle époustouflante, voire désespérante tant tout cela est crédible. A la fois touchante, cynique, délirante et particulièrement pitoyable, l’héroïne ne cesse de tomber dans des travers de plus en plus conséquents. L’actrice australienne ne s’est assurément pas trompée en acceptant le dédale que Woody Allen lui a proposé. 
Une simple observation nous fait comprendre que le film tient majoritairement sur les épaules de l’actrice et de son personnage alambiqué. Et c'est pourquoi laisser l’actrice hors de toute récompense académique majeure cette année serait assurément une erreur et la source d'une incompréhension totale.
Ce genre de choses se produit régulièrement mais il faut espérer que Cate Blanchett ne soit pas mise de côté pour des raisons de lobbying et autre billevesées.

Le long-métrage nous fait part tout du long d’un sentiment proche d’une joyeuse dépression. Ce qui règne ici en définitive semble réellement s’approcher de l’absurde. Le drame et le comique s’associent au sein d’un concentré qui nous apparait comme merveilleusement naturel. Son ancrage dans le réel est puissant, son impact bluffant. 

De fait nous sommes rassurés parce que Papy Woody a retrouvé son cinéma qu’il avait perdu quelques années auparavant. Et ça c’est bien. Mais qui sait ce qu’il va nous pondre l’année prochaine ? Papy Woody oubliera-t-il encore son cinéma ? Certains disent que c’est comme le vélo et que ça ne s’oublie pas. On verra dans un an si ils ont raison.

Critique - Dans la Maison : Enfin, sur le palier.

  

           Tout d’abord, j’aimerais écrire un petit message à caractère informatif. Aujourd’hui, est une victoire du critique sur le critique. 

Aujourd’hui, est un jour à marquer d’une pierre blanche pour ce blog. Il s’agit en effet de la première critique de Atoms for Films qui soit sur un flim français, mais qui en plus de ça soit plutôt négative.

Yeepee. Yahoo. Génial. Ça rend notre ami Sylvestre heureux.

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Et l’honneur d’introniser le drapeau tricolore revient à Dans la Maison de François Ozon. 

Plus besoin de présenter le réalisateur. Avec des films comme 8 Femmes, Swimming Pool, ou encore Jeune et Jolie qui sort incessamment sous peu, nous savons que le père François est un réalisateur grandement inspiré par l’âge d’or du cinéma hollywoodien, en proie à diriger sa caméra sur le sexe féminin et ce qu’il exalte chez le spectateur. Comme convenu, Dans La Maison fait parti de ce genre de film. 

Fabrice Lucchini y joue Germain, un professeur de français frustré et désabusé qui décide d’aider et accompagner Claude, un jeune garçon en qui il voit l'écrivain qu'il ne peut être, dans ses écrits personnels. Sauf qu’aucun des deux ne parlent de la même chose. 

Le premier voit en le second un jeune révolutionnaire intellectuel qui écrit plutôt que de bruler des voitures. Le second cherche surtout à s’infiltrer dans la famille d’un de ses camarades de classe, dans l’espoir - au début inavoué - de conquérir la mère de famille jouée par la ravissante Emmanuelle Seigner. Rappelons-nous sa merveilleuse prestation dans La Neuvième Porte, dont la scène finale a du fortement exciter son mari Romain Polanski, réalisateur du film. 

Les thèmes chers au réalisateur sont donc toujours présents et le film apparait comme une continuité à ce qu’il a fait jusqu’ici. On y trouve un semblant de Théorème de Pasolini par le personnage de Claude et son infiltration au sein de la famille (le baiser du fils, ainsi que celui de la mère). De plus, le film ne tombe jamais dans un cliché qu’il serait incapable de quitter.

En effet, si une scène semble mal jouée, si la chambre du camarade de Claude ressemble à celle d’un adolescent frustré typique dans une série B américaine (façon American Pie), si la maison même de la famille rappelle ce qu’on peut voir dans une résidence américaine et si Germain va au cinéma voir Match Point de Woody Allen avec sa femme - interprétée par Kristin Scott Thomas, il est difficile de croire que cela soit involontaire. Mais malgré tout, le film se prend les pieds dans le tapis. 

Bien qu'il ne possède pas de détails vraiment défectueux, nous dirons que malgré un concept très intéressant et bien mis en oeuvre dans sa réalisation, son scénario et l'interprétation de ces acteurs : le film d’Ozon ne prend tout simplement pas. 

Toute l’inquiétante étrangeté, l’ambiguité et la subtilité qui résident dans le traitement de cette histoire ne parvient pas à nous happer. Nous pouvons pourtant, tout comme les deux héros masculins, effleurer aisément du bout des doigts la puissance et l’intensité de tout ce qui se trame dans le long métrage. Nous ne pouvons également ignorer qu’Ozon mène sa barque avec expérience et habileté, dans un film qui tourne rond et qui se tient tout seul. 

Mais mener un jusqu’au bout un concept qui a pour thématique de ne pas pouvoir aller jusqu’au bout, c’est là que se situe le grand défaut de Dans la Maison. 

A force de passer son temps à nous faire visualiser des scènes lues par les protagonistes, nous gardons cette distance avec le long métrage qui nous empêche de vibrer à son récit. Et même si  François Ozon ne cesse de détruire les propos d’écrivain du personnage de Germain par le non respect de ses conseils dans son script, cette façon d’écrire son scénario finit par ennuyer et tourner en rond. De même que les variations qu’il propose progressivement dans ces scènes sont trop discrètes et trop peu nombreuses pour nous surprendre. 

Il est facile pour nous spectateur de comprendre ce qu’Ozon nous montre, suffisamment pour qu’on ait la sensation de trop en voir pour vraiment l’apprécier. 

En dépit d’un trip hitchcockien au traitement influencé par Woody Allen - notamment au niveau des dialogues, le film de François Ozon est une proposition alléchante et ambitieuse mais malheureusement vaine. Le film Dans la maison, étrangement, ne fait que rester sur le palier. On peut commencer à sentir l’odeur, toucher la devanture, jeter un coup d’oeil à l’intérieur et faire donc preuve d’une véritable envie de voyeurisme. Comme Claude. 

Face à la cohérence de ce travail, il est évident de conclure que le film existe dans cette optique. Ce qui est somme toute dommage : un film ambitieux n’est pas forcément un grand film. 

Et celui-ci est pas mal, mais décevant et très frustrant. Tant pis.