Séries - Brooklyn Nine-Nine, ou "New-York : Unité Puérile"

Dans les séries comiques qui ont démarré lors de la saison 2013-2014, on a pu remarquer l’arrivée de la sitcom Brooklyn Nine-Nine. Si les showrunners et les auteurs ne disent rien à personne sur le vieux continent, certains de leurs acteurs comme Andy Sandberg, Terry Crews (Saga Expendables) et Andre Braugher ont déjà fait leurs preuves à la télévision et / ou au cinéma par le passé. Une mention spéciale pour The Lonely Island, le fameux trio comique et musical dont Mr Sandberg fait partie, auteur de la meilleure chanson sur l’éjaculation précoce de notre histoire. 

Enfin bref, revenons à nos flicards. Parce que Brooklyn Nine-Nine, qui a beau être franchement débile - entendre très sympa - parle quand même de flics. Que font-ils ? Ils tentent de résoudre des enquêtes. Bien sur. Et la série narre multitudes de petites affaires.  Mais chacune d’entre elles n’est qu’un tremplin pour les stupidités du personnage principal Jake Peralta (Andy Sandberg) un inspecteur ingénieux et particulièrement puéril. Malgré l’arrivée d’un nouveau capitaine strict visiblement imperméable joué par Andre Braugher, Jake et ses acolytes agissent toujours au bord de la boulette mais en plein dans l’absurdité. 

La petite nouvelle de la FOX n’innove pas particulièrement. Cependant la comédie fonctionne car la mécanique du Nine-Nine est bien huilée. Malgré les stéréotypes d’une majorité de personnages (certains peuvent parfois peiner à être efficaces) il ressort toujours une certaine authenticité qui donnera envie de suivre le reste du show. Pour commencer, Brooklyn Nine-Nine fonctionne car l’équipe d’acteurs fonctionne, chacun trouve son rôle à jouer car il réside toujours un espace pour lui. On ne peut éviter une légère mise en avant de Andy Sandberg, mais elle ne se fait jamais au détriment des autres personnages. Mention spéciale au passage pour Joe Lo Truglio et à son postérieur héroïque. 

Ainsi la série est très équilibrée. Les affaires ne sont jamais prenantes et comprennent toujours une part de débilité dans le fond ou la forme. Le fond parce que l’affaire en soit contient quelque chose d’absurde, et la forme parce que la résolution est ponctuée de bêtises. Le tout dans un aspect de fratrie et d’esprit d’équipe « à la cool ». 

On peut le dire : Brooklyn Nine-Nine est une série pleine de détente sans prétention.

Et malheureusement, en cela elle trouve aussi ses défauts. La série n’a pas la richesse de Community, de Scrubs ou encore de Seinfield. Qu’il s’agisse des acteurs, du scénario et de son appréciation. Le Nine-Nine semble appliquer sa méthode avec simplicité sans vouloir en faire plus. Le potentiel est pourtant là et se touche régulièrement du bout des doigts. Brooklyn Nine-Nine pourrait être plus fou, plus extrême, plus drôle. Plus tout. Loin d’être vide et neutre, le show comique de la FOX a néanmoins tendance à montrer des limites… Une étincelle ? Une prise de risque ? On reste dans l’ignorance de l’élément clé qui fera élever la série, toutefois convaincu qu’il manque encore quelque chose.  

Pour une première saison, la série joue le jeu : elle expose fidèlement ses atouts, ses personnages, son univers et son style. De cette façon l’un des chouchous de l’année 2013 peut fonctionner et séduire pour quelques saisons (son succès surprenant aux Emmy Awards en témoigne). Mais Brooklyn Nine-Nine a de quoi proposer un contenu plus mature, une forme plus évoluée. 

La porte est ainsi ouverte pour le Nine-Nine. Stagner dans la coolitude ? Mûrir et repousser ses limites conventionnelles ? La deuxième saison qui vient de commencer semble indiquer que la recette ne sera pas changée. Cela s’annonce donc cool, mais sans plus. 

Théâtre - La Belle et la Bête, Théâtre Chaillot, Février-Mars 2013

Critique de Mars 2013

                    

                    Il y a des fois où l’on aime voir des oeuvres ratées, bien ratées. Des bides, en somme. Parfois amusant, parfois déconcertant, ils nous rassurent sur le fait qu’il existe toujours pire dans l’univers. Ils sont nécessaires dans de nombreux domaines, y compris le théâtre.

Un bide. D’ailleurs, d’où vient ce mot ? Cela viendrait-il d’une mauvaise prononciation du mot «vide» par un individu enrhumé qui donnerait «bide» ? Ou encore du fait que cet échec fait écho au ventre d’un obèse n’ayant pas réussi à obtenir un corps sain ? Difficile de savoir, d’autant plus que l’on s’en fiche ici. Eperdument. 

Il est en effet plus intéressant de savoir pourquoi nous en parlons ici, à propos de la pièce de  Michel Lemieux et Victor Pilon, joué au Théâtre Chaillot en février dernier. 

Leur adaptation en 4D art de La Belle et la Bête donnent des éléments dont la superficialité et l’absence les font résonner comme des incohérences. Des faux constituants. Voire du mensonge. Ce n’est que gavage et remplissage. A la manière de ces quelques lignes précédentes. 

Malheureusement, La Belle et la Bête n’est pas une apologie du bide.

                   C’est l’histoire d’une petite sotte, sexy et peintre, qui va remettre un médaillon à un marginal immonde et pseudo intellectuel dans un grand château. Ces deux personnages dont le seul point commun est de réunir à eux deux les différents sens du mot «bête» vont s’avérer par la suite être de mignons frustrés sexuels. Ils vont donc bêtement s’aimer et se caresser devant nous dans leur quête de guérison, pour le plaisir des jeunes freluquets venus assister à une adaptation de leur dessin animé préféré. 

Mais c’est alors qu’une narratrice vieille et méchante ne l’entend pas de cette oreille et vient mettre son grain de sel dans le met d’amour bien fade que ce couple inattendu nous a cuisiné. Malheureusement, ce grain de sel est bien trop petit pour sauver un plat dont le manque de gout donne l’impression d’absorber du vide. Dommage. 

Sa présentation riche et travaillée, sa musique de qualité bien que timorée ainsi que la technologie 4D sont de bien maigres consolations, tant ils nous laissent confirmer le gâchis et le vide intersidéral auquel nous faisons face. Le jeu d’acteur semble plat, mais ce qu’ils ont a dire le semble aussi. Encore dommage.

La Belle est élue Meilleure Monture de l’année 2013 par la Bête. 

Raison est : un cheval de synthèse c’est moins excitant, forcément.

                   L’histoire découle de l’existence d’un objet au grand symbolisme que nous appellerons ici le PEPITO. Il s’agit en fait d’un médaillon on ne peut plus banal dont la nouvelle appellation permet d’avoir un soupçon d’identité. Le nom fait bien sur référence aux gâteaux préférés des enfants, mais aussi au Pépito Bleu de Sébastien Tellier : symbole d’une nouvelle spiritualité qui unit les esprits libres. Il y a beaucoup de chose à dire sur ce fameux PEPITO. Il est à l’origine de tout dans la pièce. Absolument tout. Mais très vite Lemieux et Pilon l’écartent et le suppriment. Même le pendentif de Rocky a plus d’importance pour Sylvester Stallone. Alors on ne dira rien, ou très peu de chose. C’est pourtant grâce à lui que le sexe prime et s’exprime dans cette pièce aussi intense que du speed dating. L’appellation aux deux sens «PEPITO» nous apparait soudain comme légitime, non seulement pour le médaillon mais aussi pour la pièce. Il s’agit d’un élément au potentiel considérable qui disparait aussi vite qu’un biscuit dans la bouche d’un enfant affamé. Il ne devient que pur consommable.

Annonce : Le théâtre (ou l’art en général) n’est pas une affaire de consommation alimentaire, et les spectateurs ne sont pas des poules mangeant des graines mais des êtres humains à la conscience extraordinaire. Peu importe la marque des graines et leur qualité. Merci.

Pepito et Granola se sont battus à mort pour le design du médaillon et l’affiche du spectacle. 

Aucun survivant.

                   Mais il n’y a pas que le PEPITO dans la vie, il y a le sexe aussi. Un sexe sans choc ni puissance, soit. Néanmoins il prend une place omniprésente sur scène, car il relie l’ensemble de manière évidente. Oui. La Belle et la Bête, ça pue le sexe et la frustration. Il faut bien avouer que malgré toute notre volonté à chercher autres chose, c’est toujours la même rengaine. Il n’en sort que le sexe, le reste n’ayant strictement aucun poids. Ils se fichent bien du PEPITO, ou du père absent, ou de la conscience virtuelle de la Belle, etc. Vraiment. Ce qui importe se résume en ceci. Un triangle amoureux de frustrés sexuels se présentent à nous sur scène. Deux d’entre eux finissent par s’aimer et guérir sexuellement dans un coït aussi puissant qu’une scène de hentaï japonais avec des chansons d’ascenseur. Que c’est compliqué pour si peu de choses. Que c’est vide pour tant d’ambition. C’est à nous rendre, nous spectateurs, frustrés.

"GRRRRRAHH JE SUIS TELLEMENT FRUSTRÉ QUE MON CRI BRISE 

DES VITRES VIRTUELLES  ! GENKIDAMA !" - La Bête

                  Après tout cela, il est normal que certaines questions résonnent encore dans notre cerveau, petite arène interne où s’affrontent le bien et le mal. Pour tenter de répondre à la plupart, nous dirons simplement que oui, cette pièce est un gâchis à la vue des moyens techniques mis en oeuvre. Oui, ce que nous avons pu voir au Théâtre de Chaillot est du niveau d’un Twilight théâtral malgré tout. Oui, en tant que pièce sur des bêtes, avec des bêtes,  La Belle et la Bête ne doit certainement pas être l’enjeu d’un combat au sein de notre cerveau. 

Que dire, sinon ?

L’incohérence totale entre un monde diégétique sous anneau gastrique et une mise en scène sous LSD fait que les quatre-vingt minutes dans lesquelles la pièce se joue semblent à la fois trop longue et trop courtes. Mais ce qui est certain, c’est qu’on ne les envie à personne. 

Il réside cependant un certain attendrissement envers les acteurs lorsque ceci saluent le public le sourire au lèvre, soulagés. On a soudain envie de les aider à s’améliorer, pour qu’ils puissent enfin créer quelque chose à la hauteur de ce qu’ils prétendent. Et pour se faire, nous devons mettre en avant l’intérêt d’une certaine simplicité, leur expliquer gentiment que ce qu’ils ont tenté de faire durant ces quatre-vingt minutes, un grand homme du nom de Marvin Gaye l’a fait en quatre minutes et six secondes. Bien sur, tout cela avec empathie et respect. Parce qu’on aurait surement pas fait mieux. 

«And honey I know you'll be there to relieve me

The love you give to me will free me

If you don't know the thing you're dealing

Oh I can tell you, darling, that it's sexual healing.»

Critique - Blue Jasmine : Papy Woody retrouve son cinéma

Si il y a bien un vieux bonhomme qui force toujours notre attention, c’est bien Papy Woody. L’explication au phénomène est on ne peut plus évidente pour tous ceux qui connaissent un tant soi peu le monsieur. Un film quasiment tous les ans, une légèreté et un humour qui lui sont propres, des oeuvres clairement axées sur le discours et une attention toute particulière à la gente féminine. Le problème auquel nous faisons face ces dernières années avec Papy Woody c’est qu’il fait preuve d’une irrégularité consternante avec l’âge. Vicky Christina Barcelona  ne m’a vraiment rien laissé de positif mise à part un Barcelone magnifié - qui n’est qu’un tiers du film comme le titre semble l’indiquer, et Minuit à Paris m’avait enjoué autant qu’agacé - sans même évoquer Marion Cotillard. Mais To Rome With Love sorti l’année dernière en est le meilleur exemple et probablement l’un de ses plus mauvais films. Ça sentait la redite, celle qui lasse et désespère. Je fus d’ailleurs soulagé de constater que j’étais loin d’être le seul à le trouver littéralement nul. Inquiet et soucieux à raisons, il est normal de se demander si Papy Woody aurait perdu la main après tout ce temps... Mais 2013 nous prouve que non. 

Cette année, Blue Jasmine sortait sur nos écrans avec une aura de soulagement. Sans être un chef d’oeuvre où une oeuvre originale, le film renoue avec ce que Woody Allen sait faire de mieux. Les thèmes sont là, la manière aussi. Le long fait preuve d’une grande cohérence dans l’ambiguité et la subtilité. A l’opposé de ce qu’il a fait ces derniers temps, Woody a réintégré dans son cinéma le paradoxe qui l’a toujours caractérisé. La légèreté de son cinéma contient de nouveau un malaise certain ainsi qu’un humour particulièrement grinçant et le film ne cherche pas à prendre un parti radical. D’une certaine manière, le réalisateur a pitié de tout le monde et de personne. Ses propositions cinématographiques contiennent une grande part de réponses à la normande. 

L'héroïne de Blue Jasmine est-elle vraiment une victime ? Tel personnage est-il un looser pathétique ? Est-ce de l’ordre d’une tragédie moderne ou d’une bonne farce ? Cela dépend. Tout dépend de tout, tout le temps. Mais Woody ne perd pas son temps à nous expliquer quoi que ce soit. Il nous dirait probablement avec un grand sourire qu’il s’en fout et que l’on devrait s’en foutre autant que lui. 

Par ailleurs peu d’entre nous - petits et grands cinéphiles - sont sans savoir que Woody Allen travaille et mise beaucoup sur ses acteurs. 

Jonhatan Rhys-Meyers dans Match Point, Diane Keaton dans Manhattan... Tant de grands rôles complexes incarnés avec talent depuis les débuts du réalisateur. La prestation de Cate Blanchett dans Blues Jasmine ne déroge pas à cette ligne de conduite et se révèle époustouflante, voire désespérante tant tout cela est crédible. A la fois touchante, cynique, délirante et particulièrement pitoyable, l’héroïne ne cesse de tomber dans des travers de plus en plus conséquents. L’actrice australienne ne s’est assurément pas trompée en acceptant le dédale que Woody Allen lui a proposé. 
Une simple observation nous fait comprendre que le film tient majoritairement sur les épaules de l’actrice et de son personnage alambiqué. Et c'est pourquoi laisser l’actrice hors de toute récompense académique majeure cette année serait assurément une erreur et la source d'une incompréhension totale.
Ce genre de choses se produit régulièrement mais il faut espérer que Cate Blanchett ne soit pas mise de côté pour des raisons de lobbying et autre billevesées.

Le long-métrage nous fait part tout du long d’un sentiment proche d’une joyeuse dépression. Ce qui règne ici en définitive semble réellement s’approcher de l’absurde. Le drame et le comique s’associent au sein d’un concentré qui nous apparait comme merveilleusement naturel. Son ancrage dans le réel est puissant, son impact bluffant. 

De fait nous sommes rassurés parce que Papy Woody a retrouvé son cinéma qu’il avait perdu quelques années auparavant. Et ça c’est bien. Mais qui sait ce qu’il va nous pondre l’année prochaine ? Papy Woody oubliera-t-il encore son cinéma ? Certains disent que c’est comme le vélo et que ça ne s’oublie pas. On verra dans un an si ils ont raison.

Critique - Pacific Rim : Le McSushi sauce Del Toro, une recette unique.

               

             

                Pacific Rim, le dernier bébé transgénique de Guillermo Del Toro, était attendu. Très attendu. Comme tous ses films en fait. A chaque fois, il nous manque. Il prend son temps, produit tour à tour navets et oeuvres sympathiques. Mais cette année le réalisateur mexicain revient aux commandes. Les vraies. Cette année, Del Toro se transforme en chef cuisto en préparant une recette unique et populaire de qualité. Une bonne dose de scènes spectaculaires à la qualité graphique remarquable.

Un combat mythique entre des robots et monstres géants, prenant la ville et l’océan comme terrains de jeux. Une fusion iconique de 2 pays par le biais de leur différents blockbusters.

W O W, quoi. Juste W O W. Et encore W O W. 

Nous n’en finissons plus. C’est interminable. Mais c’est complètement W O W, que voulez-vous. 

Il est aisé de supposer que le créateur du Labyrinthe de Pan a du jouer gros. En effet, proposer un pied de nez à Transformers et un retour aux films de monstres à travers un affrontement mythique de 2h30 au budget mirobolant, c’est un challenge. Un vrai. Mais Del Toro aime les défis, et a mené celui-ci avec talent et expérience. Il profite d’un blockbuster très moderne pour fusionner le charme et l’efficacité d’un récit héroïque à l’américaine avec l'impressionnante pureté qui règne souvent dans les animés japonais. Qui plus est, Del Toro insère un héroisme américain dans un film marqué par un traumatisme japonais. Il se sert de l'origine du film de monstre, pour le confronter à l'origine du blockbuster américain. 

Pacific Rim est un film qui ne perd pas de temps et se passe incroyablement vite. Quand le réalisateur mexicain avoue en interview qu’il aurait aimé réduire davantage la durée du film, on en rit tant cela parait inconcevable. De fait, le film assure sa part du gâteau dans un rythme soutenu et une structure solide et classique qui conforte le spectateur comme il se doit. 

Il serait inutile de critiquer la performance des acteurs tant celle-ci s’accorde avec la pauvreté désirée de leur rôle. Chacun reflète une fonction, une icône stéréotypée qui avait manqué aux blockbusters de ces dernières années. Ils font tous part de beaucoup d’humanité, de naïveté, de très peu de prétention, ne prenant jamais part une quelconque romance exacerbée. On y retrouve donc les trois célèbres règles qui définissent la plupart des héros des manga japonais : «No sex, no money, no drugs».  Ceci, plus une histoire prévisible au millimètre, rappelle qu’il s’agit bel et bien d’un pure film de consommation visuelle. Les combats sont stupéfiants, dantesque, titanesques et merveilleusement colorés. Chacun faisant référence à des classiques du genre (films de kaiju comme Godzilla). L’explosion tend parfois vers quelque chose de plastique, ce qui  n’est pas pour déplaire à un spectateur habitué aux blockbuster sans jets de couleurs.

On regrettera que Del Toro n’exploite pas davantage le monde qu’il met en oeuvre, car le spectateur y effleure un potentiel qui aurait donné davantage de personnalité à son film. 

Quentin Tarantino ne cesserait jamais de nous répéter qu’il ne s’agit pas de cinéma, comme il l’avait dit pour Matrix. Mais le cinéma n’existe pas que de cette façon, comme la littérature ne se résout pas à la richesse textuelle, syntaxique et grammaticale de Belle du Seigneur d’Albert Cohen. Comme le cinéma, la littérature est également un portail vers quelque chose d’autre. L’ouverture d’un autre monde. Certes, Pacific Rim n’est pas une oeuvre intéressante dans ce que propose son contenu formellement cinématographique. En effet, la magie de ce genre de film opère juste sur la mise en image d’un trip ou d’un pseudo fantasme irréaliste. Mais avec goût. Ce sont des films pour ceux qui jubilent à l’idée de voir leur rêve d’enfant à l’écran en criant «WOW».
Del Toro l’a fait. Son mélange est stupéfiant, éclatant et profondément irréaliste.
Et oui. Le McSushi ? C'est bon. Alors "mangeans-on".

Critique - The Master : Du Père au Fils, du Fils au Père.

                  Depuis Boogie Nights, son premier film à la sortie internationale, le nom de Paul Thomas Anderson (dit PTA) est important. Très important. Chacunes de ses oeuvres fut promue au rang d’excellence - par les chanceux et miraculés qui ont la chance de se pavaner dans les festivals importants du 7eme Art - avant que le monde puisse juger par soi-même. Et par quatre fois, ils ne s’y sont pas trompés. La dernière en date étant donc la première grande sortie en salle de 2013 : The Master avec en tête d’affiche l’habitué Philip Seymour Hoffman, Amy Adams et surtout le retour à l’écran du fidèle de James Gray : Joaquin Phoenix.

Il faut dire que celui-ci se la joue vraiment Phoenix pour le coup¹. En jouant l’un des ex-soldats les plus bourrus et pertubés de l’après WWII, enrôlé par un gros blond moustachu dans un mouvement spirituel naissant du nom de «La Cause» (bizarrement proche de la Scientologie de L. Ron Hubbard), l’acteur touche. Il nous humilie dans notre capacité à compatir, à essayer de comprendre et de partager le sentiment des autres tant il est un artiste, un maître en la matière. 

Faisant au début parti du corps des Marines, le personnage qu’interprète Joaquin se rapproche d’une version déclinée et réaliste de Popeye. Freddie Quell est un marin bagarreur au visage abimé qui s’insurge son mélange alcoolisé comme une potion de force et de courage pour s’en aller affronter celui qui s’oppose à lui, ici le monde extérieur. Il nous apparaît ici comme un homme malade à la silhouette anorexique et à la démarche décadente. Cette paralysie surement volontaire de la partie droite de sa machoire lui laisse un éternel rictus au bord de la bouche, matéralisation d’une grande ironie qui recouvre l’ensemble du film et du personnage. Car au final, le moins intelligent et le moins adapté est celui qui s’en sort le mieux dans la société de bovins grandissante de l’époque que le film de PTA nous présente.

The Master, c’est surtout l’histoire d’une relation quasi filiale entre le grand gouru manipulateur d’un mouvement spirituel à la sincérité très ambigüe et son disciple préféré dont la fidélité n’a d’égale que sa perdition. Une relation dont les statuts changeront pour mettre en lumière un thème évident de philosophie : le rejet de la liberté. L’homme aime plus que toute autre chose obéir à un maitre et s’en remettre à lui, quitte à le dépasser indirectement et à se servir de cette période de sa vie pour foncer dans la direction opposée. De fait les nombreux éléments du film aux relans psychanalytiques enrichissent le champ des interprétations possibles, et à raison. Le personnage de Philip Seymour Hoffman joue le rôle d’un nouveau père répondant aux trois fonctions du père que Lacan nous a légué : il pose les contraintes et la loi, il devient un modèle à suivre, et il se présente tel un père réel existant. En soit, il joue celui sur qui on peut léguer l’ensemble de nos responsabilités, ce qui est indubitablement terriblement séduisant.

Ce rapport à la séduction est d’ailleurs quelque chose qui transparait malgré l’ambiance claustrophobique qui règne autour du héros. Le film possède un grain d’image particulier, aux couleurs chaudes et explosives auxquelles l'ambiance musicale de Jonny Greenwood s'adapte à merveille.

L’opposition entre la grisaille qui s’impose dans son Massachussets natal et l’explositivé plastique de ses scènes d’apprentissage rend les passages où Freddie se fait valet de la guerre ou de La Cause et de son maître bien plus attractifs et éclaboussants de propreté. Le héros vagabonde et suit le guide là où les couleurs abondent. Dans la diégèse, La Cause propose aux hommes un monde de friandises où tout se prend, se crée, se traverse. A l’image, La Cause représente une véritable palette de couleurs : le monde y est plus beau. A travers de nombreuses perspectives de profondeurs, de prises à distance avec son héros, PTA isole au départ son personnage principal pour le voir au fur et à mesure s’élever et s’intégrer aux autres sans collision, maintenir une place qui lui est sienne en face du maître. 

The Master est probablement le film de PTA le plus subtil et à la fois le plus tape à l’oeil. Il fait logiquement suite aux précédents films du réalisateurs, intégrant de nouveau un rapport au père et à la solitude du héros.

Là où le héros de There Will Be Blood créait une famille en tant que père pour réussir dans son entreprise personnelle au début du film, The Master met pour la première fois son héros en nouvelle position de père et de dominant à la toute fin de son film, lui conférant une conclusion positive qui rappelle celle de Punch-Drunk Love. Sauf qu’ici réside l’ambiguité de savoir qui est le véritable maître / père au final. Les deux protagonistes principaux s’étant servis l’un de l’autre pour apprendre, grandir et occuper la position de leader dans leur vie.

A la fin du film, le «Maitre» dit à son ancien disciple de l’appeler si jamais il s’avère qu’il peut vivre sans maître autre que lui-même. La conclusion laisse à penser qu’il pourrait bien le faire.