Critique - The Pact : Une perle horrifique oubliée des salles obscures

Depuis quelques années, le genre du film d’horreur a quelque peu engrangé une lassitude chez les aficionados. La raison à ce phénomène fort regrettable se constate à la présence innombrable de bouses horrifiques sur grand écran, comme les Derniers Exorcismes aux suites irrationnelles et à l’interminable Saga Saw. 

Ces films ne sont certainement pas conçu par Amora, car on y trouve pas l’amour du goût dans une ambition formelle et remarquable. Qu’il s’agisse de leur scénario ou de leur réalisation, tous ces films entretiennent ce qu’étaient les «Yes Man» dans la réalisation des années 40 : c’est-à-dire une pure mécanique. Et pas la plus élaborée qui soit.

Toutefois que l’on soit des fanatiques en regret éternel des années 70 ou des jeunes candides avides de culture sanguine, le plus difficile est de concevoir que la plupart des films d’horreur à la singularité indéniable ne sortent pas en salles françaises.

The Pact, film du réalisateur américain Nicholas McCarthy, en fait malheureusement parti. Sorti en 2012 et injustement oublié par les salles francophones, il est l’un des films qui incite la presse spécialisée à parler d’un renouveau du genre horrifique dans le cinéma indépendant américain, tous comme ses compères Ti West (House of the Devil) et Adam Wingard (You’re Next). Le jeune réalisateur qui avait déjà impressionné à Sundance avec le court-métrage à l’origine du film, propose une oeuvre simple et efficace parsemée d’ingéniosité et de personnalité. On retiendra notamment l’un des jump scares les plus effrayants de ces dernières années ainsi qu’un travail plastique et ambitieux de l’apparition spectrale. The Pact est non seulement un film d’horreur, mais aussi une oeuvre dont la relation temporelle est fondamentale dans son esthétique et son action. 

Nicholas McCarthy se joue tout autant d’un public jeune en utilisant avec justesse les différents objets technologiques qui habitent - et hantent - notre quotidien (le smartphone, l’ordinateur ainsi que les techniques de localisation et GPS), que d’un public plus âgé dont l’un des privilèges fut d’assister à l’âge d’or du cinéma horrifique et gothique. Les incursions du passé se font dans des objets on ne peut plus moderne, sans jamais négliger son public. Il sait que celui-ci n’est pas dupe, ainsi il n’use jamais de facilité à son égard. Car tout en restant simple, McCarthy fait preuve d’intelligence et de finesse. Il fusionne une ambiance urbaine et pavillonnaire modeste avec un éclairage digne d’un grand château éclairé à la bougie. Il nous positionne de part et d’autre de ce petit pavillon pour le transformer à nos yeux en un grand manoir de l’ancien temps. 

«Du smartphone hanté dans un pavillon manoir ?» me direz-vous avec étonnement. Mais il n’y a point d’inquiétude à avoir : si la phrase semble saugrenue, le film lui ne l’est aucunement. Mieux que cela, il fonctionne totalement et ne s’arrête jamais à ce qu’il semble être de premier abord. 

The Pact ne tombe pas dans la constante des films d’horreur actuels et propose un final réellement éloigné de ce que la base scénaristique laissait supposer. En effet McCarthy a bien conscience des innombrables facilités qui accompagnent le récit fantastique / fantomatique dans le cinéma d’horreur et sa conclusion. Ni deus ex machina grossier, ni pseudo twist final sans saveur qui ne déçoit plus qu’il ne surprend. Le réalisateur américain évite tout cela avec talent au bénéfice d’un dernier tiers plus terre à terre mais non moins prenant et qui révèle beaucoup son actrice principale. Nous noterons un très bel hommage au cultissime Halloween de John Carpenter. Un moment de tension inoubliable et de suspens haletant comme il n’en a pas été vu au cinéma depuis longtemps et qui trouve royalement sa place dans une oeuvre de cette envergure. Il est difficile de ne pas être enthousiasmé face à tant de fraîcheur dans un genre qui perd de sa superbe aujourd’hui. Par ailleurs, McCarthy semble signaler au spectateur par quelques pointes d'humour et de second degré qu'il a conscience des codes et clichés qu'incombent un film d'horreur. Il ne prend décidément pas le spectateur pour un naïf, ce qui fait beaucoup de bien.

En fin de compte, ce qu’on a envie de dire à ce jeune Nicolas McCarthy ce sont des remerciements et de nombreux encouragements. Bien que le film soit imparfait sur de petites choses et qu’on puisse lui reprocher de ne pas faire assez peur lorsque cela est possible, des oeuvres de ce calibre se font bien trop rare. Beaucoup ont oublié que le cinéma d’horreur n’est pas une simple mécanique et quasiment tous ont oublié qu’un film d’horreur peut être beau et stylisé.

The Pact n’est pas un simple film pop corn, mais quelque chose qui se contemple et qui prête à être revue tant les intentions de son créateur dépassent celle du simple divertissement mécanique. 

Nicolas McCarthy s’annonce donc involontairement (avec Ti West et compères) comme le remède le plus efficace contre le Syndrome-monstrueusement-populaire-de-l’horreur-mécanique-fade. Tout ce qu’il nous reste à faire c’est de répandre la bonne nouvelle tels des témoins illuminés, en espérant qu’elle soit entendue de tous et que l'information tourne suffisamment pour revenir jusqu'à nous par un pur et heureux hasard. Un film comme ça ne peut être oublié. 

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NB : On notera également le plaisir coupable de retrouver Casper Van Dien, héros culte de Starship Troopers pour les connaisseurs. Puis l'héroine jouée par Caity Lotz finit par faire son effet en petite culotte. 

Critique - The Master : Du Père au Fils, du Fils au Père.

                  Depuis Boogie Nights, son premier film à la sortie internationale, le nom de Paul Thomas Anderson (dit PTA) est important. Très important. Chacunes de ses oeuvres fut promue au rang d’excellence - par les chanceux et miraculés qui ont la chance de se pavaner dans les festivals importants du 7eme Art - avant que le monde puisse juger par soi-même. Et par quatre fois, ils ne s’y sont pas trompés. La dernière en date étant donc la première grande sortie en salle de 2013 : The Master avec en tête d’affiche l’habitué Philip Seymour Hoffman, Amy Adams et surtout le retour à l’écran du fidèle de James Gray : Joaquin Phoenix.

Il faut dire que celui-ci se la joue vraiment Phoenix pour le coup¹. En jouant l’un des ex-soldats les plus bourrus et pertubés de l’après WWII, enrôlé par un gros blond moustachu dans un mouvement spirituel naissant du nom de «La Cause» (bizarrement proche de la Scientologie de L. Ron Hubbard), l’acteur touche. Il nous humilie dans notre capacité à compatir, à essayer de comprendre et de partager le sentiment des autres tant il est un artiste, un maître en la matière. 

Faisant au début parti du corps des Marines, le personnage qu’interprète Joaquin se rapproche d’une version déclinée et réaliste de Popeye. Freddie Quell est un marin bagarreur au visage abimé qui s’insurge son mélange alcoolisé comme une potion de force et de courage pour s’en aller affronter celui qui s’oppose à lui, ici le monde extérieur. Il nous apparaît ici comme un homme malade à la silhouette anorexique et à la démarche décadente. Cette paralysie surement volontaire de la partie droite de sa machoire lui laisse un éternel rictus au bord de la bouche, matéralisation d’une grande ironie qui recouvre l’ensemble du film et du personnage. Car au final, le moins intelligent et le moins adapté est celui qui s’en sort le mieux dans la société de bovins grandissante de l’époque que le film de PTA nous présente.

The Master, c’est surtout l’histoire d’une relation quasi filiale entre le grand gouru manipulateur d’un mouvement spirituel à la sincérité très ambigüe et son disciple préféré dont la fidélité n’a d’égale que sa perdition. Une relation dont les statuts changeront pour mettre en lumière un thème évident de philosophie : le rejet de la liberté. L’homme aime plus que toute autre chose obéir à un maitre et s’en remettre à lui, quitte à le dépasser indirectement et à se servir de cette période de sa vie pour foncer dans la direction opposée. De fait les nombreux éléments du film aux relans psychanalytiques enrichissent le champ des interprétations possibles, et à raison. Le personnage de Philip Seymour Hoffman joue le rôle d’un nouveau père répondant aux trois fonctions du père que Lacan nous a légué : il pose les contraintes et la loi, il devient un modèle à suivre, et il se présente tel un père réel existant. En soit, il joue celui sur qui on peut léguer l’ensemble de nos responsabilités, ce qui est indubitablement terriblement séduisant.

Ce rapport à la séduction est d’ailleurs quelque chose qui transparait malgré l’ambiance claustrophobique qui règne autour du héros. Le film possède un grain d’image particulier, aux couleurs chaudes et explosives auxquelles l'ambiance musicale de Jonny Greenwood s'adapte à merveille.

L’opposition entre la grisaille qui s’impose dans son Massachussets natal et l’explositivé plastique de ses scènes d’apprentissage rend les passages où Freddie se fait valet de la guerre ou de La Cause et de son maître bien plus attractifs et éclaboussants de propreté. Le héros vagabonde et suit le guide là où les couleurs abondent. Dans la diégèse, La Cause propose aux hommes un monde de friandises où tout se prend, se crée, se traverse. A l’image, La Cause représente une véritable palette de couleurs : le monde y est plus beau. A travers de nombreuses perspectives de profondeurs, de prises à distance avec son héros, PTA isole au départ son personnage principal pour le voir au fur et à mesure s’élever et s’intégrer aux autres sans collision, maintenir une place qui lui est sienne en face du maître. 

The Master est probablement le film de PTA le plus subtil et à la fois le plus tape à l’oeil. Il fait logiquement suite aux précédents films du réalisateurs, intégrant de nouveau un rapport au père et à la solitude du héros.

Là où le héros de There Will Be Blood créait une famille en tant que père pour réussir dans son entreprise personnelle au début du film, The Master met pour la première fois son héros en nouvelle position de père et de dominant à la toute fin de son film, lui conférant une conclusion positive qui rappelle celle de Punch-Drunk Love. Sauf qu’ici réside l’ambiguité de savoir qui est le véritable maître / père au final. Les deux protagonistes principaux s’étant servis l’un de l’autre pour apprendre, grandir et occuper la position de leader dans leur vie.

A la fin du film, le «Maitre» dit à son ancien disciple de l’appeler si jamais il s’avère qu’il peut vivre sans maître autre que lui-même. La conclusion laisse à penser qu’il pourrait bien le faire.

Critique - J'ai rencontré le diable, et le génie aussi.

           

        

Depuis quelques mois je voue un certain engouement à la nouvelle vague de cinéma sud-coréen: Kim Jee-Woon, Boon Joon-Ho, Park Chan-Wook, Na Hong-Jin etc. Des cinéastes talentueux au style propre à chacun. Mais de tout cet ensemble il en ressort une homogénéité puissante et irresistible tiraillée entre les influences d’un cinéma occidental, les rouages d’une société marquée par une soumission de longue durée à un pays extérieur ainsi qu’une poésie bien trop rare dans nos salles aujourd’hui. 

Le dernier film «Made in South Korea» de Kim Jee-Woon rend grâce à cette mouvance et confirme une énième fois la maîtrise d’un des piliers du cinéma asiatique actuelle.

Cette fois ci Maitre Kim nous propose un film sur la vengeance.  

Les films sur la vengeance suscitent régulièrement une forme de «ras-le-bol» général de part leur prévisibilité affolante et leur côté téléfilm raté sortant d’Europa Corp.

J’ai Rencontré le Diable  propose un schéma différent, intelligent sans avoir peur d’aller jusqu’au bout. Là ou les films de vengeance se terminent habituellement, le film de Kim Jee-Woon commence véritablement pour établir une véritable chasse à la souffrance d’un homme. 

Le réalisateur s’interesse ici de la même façon au héros et la cible de sa nemesis. L’issue s’annonçant très vite comme inévitable, il choisit de traiter le processus : un jeu malsain et violent entre un tueur pervers et un héros déterminé mais bel et bien perdu pour toujours.

Cette dualité évolue très vite en quelque chose de plus large : l’ascension du personnage principal dans un milieu d’accomplissement du fantasme où les règles et les contraintes sont tout autant perdues que les individus qui y accèdent. Le bien et le mal ne se cotoient jamais, laissant place à un nihilisme moral choquant mais essentiel à l’effet trauma du film. 

De ce fait, J’ai rencontré le diable n’est pas un titre au sens unique et à l’écho inexistant. Bien au contraire, il se multiplie partout, se réflète dans les yeux de chacuns des personnages principaux. Choi Min-Sik et Lee Byung-Hun interprétant tour à tour le rôle d’un démon pathétique et terriblement humain, une surenchère de deux clichés en pleine opposition dans un duel sanglant mais toutefois subtile.

Le regard noir et parfois amusé du réalisateur sur les évènements dont le film nous fait part nous donne une dimension moins manichéenne, plus humaine et réaliste. 

Sans jamais en arriver à quelque chose d’horriblement flagrant, le réalisateur distille des scènes guignolesques et décalées avec l’un, entrecoupées de séquences intensément tragiques et désespérées avec l’autre.

C’est une diversité émotionnelle qu’on retrouve également chez Boon Joon-Ho dans Memories of Murder ou The Host. 

Conduit par deux performances incroyablement justes et complémentaires, l’oeuvre du réalisateur d’A Bittersweet Life  est une perle noire et abîmée à la brillance éternelle. 

Elle fascine, intrigue et impose un trauma à son spectateur, qui s'en souviendra tres longtemps.

Si on considère qu’Old Boy de Park Chan-Wook avait déjà creusé une tombe pour la vengeance au cinéma, nous pouvons dire sans mal que J’ai rencontré le diable de Kim Jee-Woon l’a enterré bien proprement.